O Doc’s Kingdom regressa a Odemira de 19 a 23 de novembro de 2024, com um programa de filmes, debates, instalações, performances sonoras e sessões de escuta, entre outras atividades.
Sob o título “Formas de Escutar” (em inglês, “Ways of Listening”), com curadoria de Stoffel Debuysere, o programa pretende contrariar o tradicional foco na visualidade, desenvolvendo perspetivas críticas sobre o documentário a partir do prisma do som. A fim de imaginar e discutir as possibilidades e implicações políticas e éticas do sonoro, esta edição do Doc’s Kingdom será um espaço de estudo coletivo muito além do olhar: um espaço para ver, ouvir e redescobrir o cinema a partir da escuta.
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Alison O’Daniel é uma artista visual e cineasta que trabalha com som, imagem em movimento, escultura, instalação e performance, cujo trabalho é gerado a partir de um profundo envolvimento com sonoridade, acústica, acesso e incorporação complexa. Informada pelas suas experiências como surda/com deficiências auditivas e colaborações com outras pessoas no espectro de surdez – incluindo compositores, atletas, músicos e atores – Alison constrói um vocabulário visual, auditivo e háptico que revela uma política de som que excede o auditivo. O seu filme mais recente e multipremiado, The Tuba Thieves (2023), usa roubos de tuba na vida real em Los Angeles como um trampolim para explorar criticamente como a história das segregações sonoras está profundamente enraizada nos espaços urbanos por meio do design e da mediação do som, como o som viaja através desses substratos e quem está autorizado ou obrigado a ouvi-lo. Ela é professora assistente de cinema no California College of the Arts, em São Francisco.
Ernst Karel trabalha com som, incluindo música eletroacústica, obras sonoras experimentais de não-ficção para instalação e performance multicanal, colaboração imagem-som e pós-produção sonora para filmes e vídeos de não-ficção, com ênfase em cinema observacional. Ele trabalhou ao lado de Lucien Castaing-Taylor e Véréna Paravel no Laboratório de Etnografia Sensorial de Harvard e colaborou com artistas e cineastas como Anocha Suwichakornpong, J.P. Sniadecki, Luke Fowler, Ben Rivers e Helen Mirra. Como improvisador tocou e gravou com Fred Lonberg-Holm, Tim Daisy, Liz Payne e Aram Shelton entre outros, e com Kyle Bruckmann forma o grupo EKG. Ultimamente, trabalha em torno da prática de gravação de atualidade/lugar (ou ‘gravação de campos [plural]’) e da composição a partir dessas gravações, com projetos recentes também adotando gravações de arquivo de lugares. Ele ensinou gravação e composição de áudio no Laboratório de Etnografia Sensorial, no Centro de Etnografia Experimental da Penn e no Departamento de Cinema e Mídia da UC Berkeley. Atualmente é afiliado no Center for Ethnographic Media Arts da University of Southern California.
Matilde Meireles é uma artista sonora e pesquisadora que utiliza gravações de campo para compor projetos orientados para um local (site-oriented). O seu trabalho tem uma abordagem crítica multissensorial, duracional e multiperspectiva do local, onde Matilde investiga o potencial da escuta através de espectros e escalas como formas de sintonizar vários ecossistemas e articular experiências plurais do mundo. Alguns exemplos incluem as arquiteturas internas das canas e as complexas ecologias da água, ressonâncias em objetos do quotidiano, bairros locais e a arquitetura dos sinais de rádio. O seu próximo álbum pelo selo Crónica, intitulado Loop. And Again. (2024), investiga a dinâmica dos campos magnéticos, os intrincados arranjos de cabos elétricos e a sua interconexão com as mudanças na paisagem circundante. O seu trabalho também é regularmente apresentado sob a forma de performances, instalações, projetos comunitários e publicações. Ela possui um PhD em Sonic Arts pelo SARC: Centre for Interdisciplinary Research in Sound and Music, Queen’s University Belfast.
Susana de Sousa Dias é uma cineasta e artista portuguesa. As suas instalações exploram a dialética da história e da memória, questionando regimes de visibilidade estabelecidos com foco no arquivo. Utilizando fotografias e imagens de arquivo, os seus primeiros trabalhos (2000-2017) tratam da memória da ditadura em Portugal. Através de depoimentos de presos políticos, e resultante de extensa pesquisa nos arquivos nacionais, o seu trabalho desempenhou um papel importante na denúncia pública da repressão violenta e da tortura utilizada pelo regime. Mais recentemente, dirigiu Fordlandia Malaise, em 2019, e co-dirigiu Viagem ao Sol, com Ansgar Schaefer, em 2021. Colabora frequentemente com o irmão António de Sousa Dias, compositor e artista, na criação da banda sonora dos seus filmes. O seu trabalho recebeu inúmeros prémios e foi apresentado em todo o mundo. Em 2012, criou um coletivo feminino que dirigiu o Doclisboa durante duas edições, estabelecendo novas secções como Cinema de Urgência e Passagens (Documentário & Arte Contemporânea). Ela é cofundadora da produtora Kintop. É doutorada em Belas Artes-Vídeo e leciona na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa.
Trevor Mathison é artista, compositor, designer de som e técnico de gravação. A sua prática sonora – centrada na criação de paisagens auditivas fragmentadas e perturbadoras, e na integração de música existente – apareceu em mais de trinta filmes e instalações premiadas. Trevor foi membro fundador do coletivo de artistas cineculturais The Black Audio Film Collective (1982 -1998), onde os seus designs sonoros definiram e situaram as obras audiovisuais do Coletivo, incluindo Signs of Empire (1983), Handsworth Songs (1986) e O Último Anjo da História (1996). Ele continuou a trabalhar com alguns dos seus ex-colaboradores do BAFC (John Akomfrah, Lina Gopaul e David Lawson) fazendo design de som para vários documentários e instalações. Com Anna Piva e Edward George, formou os projetos “Flow Motion” e “Hallucinator”, cujo techno dub mutante teve destaque na editora discográfica de referência Chain Reaction. Nos últimos anos, Trevor produziu uma série de obras de arte e lançamentos de álbuns como parte do projeto contínuo e iterativo From Signal to Decay.
Gary Stewart é um artista interdisciplinar que trabalha na interseção entre som, imagem em movimento e criatividade computacional. O seu trabalho evoca questões sociais e políticas de identidade, cultura e tecnologia. Através do uso de tecnologias e práticas inovadoras, faz parte de uma rede global de colaboradores que defendem a igualdade, a justiça climática e uma melhor saúde através das artes, especialmente aqueles de comunidades marginalizadas. Operando através de uma série de enquadramentos teóricos, ficcionais e artísticos, o seu trabalho atravessa a arte mediática, a música experimental e a investigação. Sob o apelido de Bantu, Gary propõe-se a explorar e trazer novas perspectivas e, em particular, para “Black Noise”. O recente lançamento de Bantu, Instabilidade (2024), baseia-se tanto na experiência pessoal quanto no trauma coletivo – o de uma diáspora submetida aos rigores de um “ambiente hostil” prolongado. Como Dubmorphology, Trevor Mathison e Gary Stewart criam instalações e performances que incorporam elementos de dub e música concreta que funcionam como um agente de ligação para materiais visuais díspares que são unidos pelo que pode ser chamado de “ruído pós-soul”.
Trinh T. Minh-ha é escritora, teórica, compositora e cineasta cuja prática se posiciona principalmente nos campos dos estudos feministas e pós-coloniais. Nascida em Hanói, emigrou para os EUA durante a Guerra do Vietname, onde estudou composição musical, etnomusicologia e literatura francesa. Enquanto lecionava em Dakar, no Senegal, criou o seu primeiro filme, Reassemblage (1982), que documenta a vida das mulheres na zona rural do Senegal de uma forma que ela descreveu como “speaking nearby” em vez de “speaking about” os sujeitos que retrata (pode traduzir-se como “falar aproximadamente” em vez de “falar sobre”). Tem desafiado consistentemente o formato documental tradicional e tem desconstruído formas normativas de olhar e ouvir diferentes culturas, ao mesmo tempo que se dedica a questionar sistemas totalizantes de conhecimento e categorias de identidade. Ela considera que cada obra existe como um “evento de fronteira”, fugindo de rótulos como documentário, ficção ou filme experimental, posicionando o seu trabalho entre essas designações. Paralelamente a obras audiovisuais, publicou numerosos ensaios e livros sobre cinema, política cultural, feminismo e artes. É professora de retórica e de estudos de género e mulheres na Universidade da Califórnia, Berkeley.